Si hablas con Florence Welch cualquier día, es casi seguro que estará algo ansiosa. “La ansiedad es una constante en mi vida”, dice. “Pero luego salgo al escenario y desaparece”.
Por suerte, ahí está ahora mismo: envuelta en un largo vestido blanco, sentada cómodamente frente a un público de 150 personas en el hermoso Cherry Lane Theatre de Nueva York, un histórico teatro del centro conocido como la cuna del teatro off-Broadway. Falta una semana para el lanzamiento de Everybody Scream, el excelente sexto álbum que grabó con su banda, Florence + the Machine, y Welch está aquí para la primera edición en vivo de la Rolling Stone Interview.
Tanto durante la entrevista como en una actuación íntima y cautivadora, la energía en la sala era tan palpable como el nuevo álbum, incluso cuando los temas tratados no eran precisamente ligeros. Creado con la colaboración de artistas como Aaron Dessner de The National, Mark Bowen de Idles, Mitski y James Ford, Everybody Scream es una reflexión visceral y mística sobre la vida y la pérdida, además de una muestra del extraordinario talento vocal de Welch, que se ha consolidado como uno de los instrumentos más poderosos de la música popular desde el debut de su banda en 2009. Las canciones surgieron a raíz de su experiencia durante la gira de Dance Fever (2022), donde sufrió un embarazo ectópico y la rotura de una trompa de Falopio, lo que requirió una cirugía de emergencia que le salvó la vida.
A lo largo de la conversación, Welch combina una profunda franqueza con un humor sutil mientras analiza su evolución a lo largo de los años y su impacto en su música. “Cuanto más tranquila era mi vida, más me podía expresar en mis actuaciones, en mis vídeos y en mi obra artística”, reflexiona a mitad de nuestra conversación. “Descubrí que liberarse de la vergüenza me permite explorar muchas más cosas diferentes en mi trabajo, y eso me pareció realmente maravilloso”.
La historia de este álbum comienza con tu última gira, la de Dance Fever de 2022. ¿Puedes contarme cómo fue esa gira y cómo saliste transformado?
Supongo que, en cierto modo, Dance Fever fue un disco profético y este disco es un disco de catástrofe. [Dance Fever] también trataba sobre la interpretación en vivo y el hecho de que nos habían arrebatado toda la posibilidad de actuar. Hubo una época en la que los músicos no sabíamos si la música en vivo volvería, y fue un disco en el que me cuestionaba si quería seguir dedicándome a esto o si quería formar una familia. Y entonces, en esa gira, tuve una experiencia de vida o muerte que me llevó a crear este disco.
Everybody Scream surgió del deseo de profundizar en la magia y el misticismo. Era como decir: “Vale, esto se está haciendo realidad. Necesito averiguar qué demonios está pasando aquí”. Abrió un portal a otro lugar. Fue un lugar de auténtica exploración, y despertó en mí un sinfín de facetas al experimentar algo así.
¿Alguna vez un álbum o una canción te había predicho lo que vendría después?
Nunca fue tan literal. Escribí una canción [para Dance Fever] llamada “King”, que trataba sobre mi dilema de ser madre. Había una frase que decía algo así como: “Nunca supe que mi asesino vendría de dentro”. Lo que casi me mata fue una complicación con un aborto espontáneo en el escenario. Nunca fue tan obvio.
¿Qué te llevó a estudiar más magia y misticismo?
Cuando algo sucede en el cuerpo, te sientes tan impotente. Creo que buscaba formas de poder y me sentía muy primitiva. Fue muy repentino, muy violento, y me salvó la vida. Cuando te tienen que operar de urgencia, las luces son tan brillantes; es todo tan clínico. Después sentí que necesitaba estar cerca de la tierra. Necesitaba estar cerca de la naturaleza.
Donde fuera que buscaba historias de nacimiento, vida y muerte, encontraba relatos de brujería. Era imposible investigar sobre el tema sin toparse con cuentos populares, historias de brujas o magia, debido a su gran desconocimiento. Nadie supo explicarme por qué me había sucedido. Me dijeron: “Mala suerte”. Cuando nadie te da una explicación, buscas un significado. Buscas una manera de comprenderlo y también algún tipo de control.
Experimentaste una pérdida gestacional en el escenario, mientras tocabas frente a miles de personas. ¿Cómo lo manejaste como artista?
Sentía dolor. ¿Y qué hace una mujer en esa situación? Simplemente tomé ibuprofeno y seguí trabajando. Me encontraba en un estado de conciencia. Sentía poder y control sobre mi cuerpo, y estaba experimentando una pérdida. No sabía que era una pérdida peligrosa, pero pensé: “Voy a superarlo, y si logro terminar este concierto, al menos no habré perdido nada más”. Cuando salí al escenario, todo el dolor desapareció y me sentí libre. Fue un concierto increíble, aunque un poco extraño, porque no sabía que me estaba muriendo. No sabía que tenía una hemorragia interna. Pero sentí esa presencia que siempre me ha acompañado en el escenario, tomó el control y me sostuvo durante todo el concierto. Fue como amor, o algo así. Estaba en medio del caos, en medio de un huracán, y, curiosamente, fue realmente hermoso. ¿Suena mal decirlo?
¿Empezaste a trabajar en el álbum o a componerlo poco después, o te llevó un tiempo asimilarlo?
Ya había empezado a trabajar en el álbum. La primera persona con la que trabajé fue Mark Bowen, de la banda Idles. Cuando teníamos tiempo libre entre giras, nos juntábamos y empezábamos a esbozar ideas. ‘One of the Greats’ ya había empezado a tomar forma, y luego creo que escribimos “Everybody Scream”. Pero sí, fui directo de la gira al estudio. Después de todo lo que pasó, necesitaba asimilarlo.
Después, recibí terapia para superar el trauma. La terapeuta fue genial. Obviamente, era una especialista en personas que han pasado por lo mismo que yo. Y me dijo que a veces hay una necesidad imperiosa de solucionarlo de inmediato, intentando tener otro hijo rápidamente. Me dijo: “El único consejo que puedo darte es que no lo intentes de nuevo hasta que te sientas tú misma otra vez”. El único lugar donde realmente me siento yo misma es componiendo canciones, así que así proceso lo que pasó.
La verdad es que no recuerdo los primeros seis meses de la grabación de este disco. Canciones como ‘Witch Dance’ y ‘You Can Have It All’, las primeras, las más crudas, que escribí casi inmediatamente después, no las recuerdo bien. Lo increíble de hacerlas con Bowen fue la gran disonancia y el toque punk que le da a su música, con la brutalidad de algunos de sus sonidos. Necesitaba eso. Fue brutal. Lo que me pasó fue un evento discordante en mi vida. Así que fue increíble que ya hubiéramos empezado a trabajar juntos. Era la persona perfecta para escribir canciones así después de todo aquello.
Hay un gran sentido del humor en este álbum. En ‘Music by Men’, cantas que estabas escuchando a The 1975 ¿Qué canción es?
[Cantando] “Estamos follando en un coche/Inyectándonos heroína/Diciendo cosas controvertidas…”
¿’Love It If We Made It’?
¡Sí! Pensé: “Esta canción es buenísima”. Algo importante al componer canciones es que a menudo riman. Así que necesitabas una banda que rimara con “five”.
Cuando me rompí el pie en el escenario, me dieron cuatro de cinco estrellas por ese concierto. Pensé: “¿Qué más tengo que hacer?”. Literalmente, sangré por todo el escenario. La gente limpiaba y terminé el maldito concierto, y creo que la puntuación general fue de cuatro de cinco. ¿Y ahora qué?
En ‘One of the Greats’, cantas: “Estaré ahí arriba con el hombre y las otras diez mujeres y los cien mejores discos de todos los tiempos/Debe ser genial ser hombre y hacer música aburrida solo porque puedes”.
Muchas de las frases me parecieron muy graciosas. Era esa sensación de “¿Cuándo seré suficiente?”. Me entrego tanto y a veces me pregunto si, al dar tanto y no tener esa frialdad casi masculina de guardarse las cosas, de ser obtuso, de no decirlo todo, en plan: “¿Qué está diciendo? Qué genial. ¿Qué significan esas letras?”. …Pensaba: “Si sigo dando tanto, ¿significa que no me toman en serio?”.
Pero a veces, cuando escucho cosas con ese nivel de reserva masculina, pienso: “¿No es esto un poco aburrido? ¿Qué están diciendo?”. Quizás sería más fácil poder contenerme, poder simplemente lucir bien con una camiseta y que todos digan: “¡Guau, es revolucionario!”. Me da envidia. Si insultas a alguien, es por envidia, la verdad.
¿Fue esa misma reseña de un concierto u otro momento lo que te impulsó a reflexionar sobre las limitaciones de cómo se percibe a las mujeres en la industria?
Ves todas esas listas, y da la sensación de que ya tienen el número máximo de mujeres que pueden incluir y dicen: “Listo, ya cumplimos”.
Siendo sincera, ni siquiera me identificaba del todo con mi género, y todavía no sé qué demonios significa ser mujer. No sé qué se siente. No le atribuyo nada en particular… Así que significó que realmente no sentí ninguna barrera por eso. No te das cuenta hasta que eres mayor de que la gente no te toma en serio por ser una mujer joven. Pensaba que era porque resultaba molesta. Solo cuando miras hacia atrás y ves el mismo trato una y otra vez hacia las mujeres jóvenes, te das cuenta: “Espera, creo que quizá no iba por mí”.
Y eso viene con la sabiduría, pero también con la rabia. Creo que este disco aborda los sacrificios adicionales que implica comprometerse con esta vida y con el escenario. Hablaba con Mitski sobre eso, y me dijo: “Sí, pero la intimidad que también te aporta la actuación, la intimidad que te aporta el trabajo, es extraordinaria”. Yo también lo siento.
¿Te has sentido poco apreciado o infravalorado como artista?
No es que me sienta infravalorado. Simplemente, a veces buscas la validación en las personas equivocadas. Hay mucha gente que lo adora y lo entiende, y solo hay un tipo que dice: “Sí, a mí no me gusta”. Es algo que se supera con el tiempo, lo cual es genial. Además, la forma en que me aprecian es la única que me gustaría. Nunca quise ser más famoso. De hecho, esto es lo máximo que puedo manejar.
Finalmente, gracias a todo el trabajo, conseguí la carrera que siempre quise. Hubo un momento en el que creo que había grandes intenciones de que me volviera muy comercial. Con Lungs, hubo
un momento en el que podría haber elegido un camino diferente. No tengo la capacidad mental para manejar tanta atención. Seguí tomando decisiones que me alejaban del foco mediático y me obligaban a volver al trabajo, o que me alejaban de mi personalidad y me obligaban a volver a la música.
Y cuando te alejas de todo el parafernalia de ser una estrella de rock en el escenario y sacar un disco, ¿cómo es tu vida?
Es realmente aburrida. Ese es el punto, ¿no? Hay que tener tranquilidad en la vida para poder ser más libre en el trabajo. Creo que eso fue muy cierto para mí. Cuanto más tranquila era mi vida, más libre podía ser en mis actuaciones, en mis vídeos y en mi arte. Mucha autocrítica, vergüenza… Bebía o me drogaba para intentar entenderlo. Una vez que dejé de beber y mi vida se volvió mucho más tranquila, descubrí que liberarme de la vergüenza significa que puedo explorar muchas más cosas diferentes en mi trabajo. Me pareció algo increíble.
Hay mucho tiempo para caminar, leer y ver la televisión. Estás de gira y piensas: “Necesito llegar a casa”. Y luego llego a casa y pienso: “Hay una bestia dentro de mí que necesita salir. No estoy hecho para esta vida. Esta casa es demasiado grande para mí”. Los demás aspectos de la fama no me interesan demasiado. Simplemente me resultan estresantes.
¿Como cuáles?
Hay una frase en ‘Sympathy Magic’ sobre “las sutiles humillaciones de la fama”. Básicamente, así es como he percibido la fama: una serie de pequeñas humillaciones. El lado de la celebridad nunca me ha atraído. Como soy tímido o ansioso y necesito mucho tiempo para soñar despierto, necesito mucho tiempo lejos del foco mediático. En realidad, no me gusta ser el centro de atención. No me gusta ser el centro de atención en general, cuando no se trata de mi trabajo. Creo que me gusta llevar una vida muy privada y tranquila fuera del escenario.
Una de las primeras personas a las que llamaste para este álbum fue James Ford, quien también trabajó en tu gran éxito ‘Dog Days Are Over’. ¿Qué recuerdas de componer una canción que acabaría cambiando tu vida?
Todavía conservo el CD con la maqueta original de ‘Dog Days”’ Estábamos ensayando en un estudio llamado Premises Rehearsal Studios, que todavía existe en el este de Londres. James tenía su estudio encima de Premises, y fui a llamar a su puerta. Dice que entré y empecé a golpear la mesa y a cantársela. La discográfica con la que estaba trabajando no entendió la maqueta en absoluto. Simplemente dijeron: “No. ¿Dónde está otro “Kiss With A Fist”? Era divertida, pegadiza, con guitarras geniales”. Y James la entendió perfectamente.
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